LOS GRUPOS DE CHARLY GARCIA

Aprovechando el retorno de Charly García a los escenarios y que hace bastante que no posteo puedo matar dos pájaros de un tiro y hablar de manera sintética de Charly formando parte de grupos musicales. Desde que comenzó su carrera como músico profesional en 1972 con la edición de Vida, el disco debút de Sui Generis, hasta 1982 con la salida de Pubis angelical/Yendo de la cama al living, el disco que marcó su inicio como solista.

En el lapso de 10 años (1972-1982) Charly integró cuatro grupos musicales. Todos de corta duración pero que dejaron una huella muy profunda en un país que soportó los años de plomo que fueron contemporáneos a estas bandas. Sui generis, Porsuigieco, La Máquina de Hacer Pájaros y Seru Giran. Tanto el primero como el último tuvieron un enorme suceso con record de convocatoria incluido. Aquí están, en un recorrido a través de mis CDS, los primeros años de la extensa carrera de Charly que lo depositaría en el olimpo de los máximos ídolos argentinos.

HOLA SUI GENERIS

Como ya adelanté más arriba el debut discográfico de Charly fue con “Vida” de Sui Generis en 1972. Sin embargo la banda ya estaba formada desde 1967.
La tapa de este disco es histórica. Allí aparecen Charlie García (así se hacía llamar por entonces) y Nito Mestre apoyados contra la pared. Este LP marcó el comienzo de la segunda camada del Rock Nacional junto con Pescado Rabioso y Pappo´s Blues.

El comienzo del disco es con un tremendo clásico: “Canción para mi muerte”, infaltable en el 100% de los fogones argentinos. Este tema fue compuesto por Charly mientras cumplía el servicio militar. Paradójicamente el título del primer tema de estudio en la carrera de Charly se refiere a la muerte mientras que el nombre del vinilo se refiere a la vida. Los temas del duo, con un marcado estilo folk continúan su desarrollo hasta llegar a otro clásico: “Mariel el capitan”. También hay que mencionar de este disco otras canciones como “Dime quién me lo robó” y “Natalio Ruiz, el hombrecito del sombrero gris”.

El álbum tuvo muchísimo éxito entre la juventud de la época que se encontraba en un contexto de euforia tanto peronista como militante.

El siguiente disco, “Confesiones de invierno”, editado un año después, conserva el mismo estilo pero contó con una mayor producción que se puede notar en la mejora del sonido. Este LP Sirvió para reafirmar e incrementar el éxito del grupo con temas como "Cuando ya me empiece a quedar solo"y "Bienvenidos al tren" pero es imposible no destacar otro hiperclásico presente también en la totalidad de los fogones y en el inconciente colectivo de los argentinos: “Rasguña las piedras”.

CUANDO YA ME EMPIECE A QUEDAR SOLO: EL CAMBIO DE SONIDO DE SUI GENERIS


Las bandas en esa época, a diferencia de las de ahora, editaban discos todo el tiempo, sacaban uno por año o hasta incluso dos. Acorde a esa costumbre llegó en 1974el último disco de estudio, “Pequeñas anécdotas sobre las instituciones”.
El contexto en el que salió el disco contrastó con la alegría y la euforia de "Vida", editado apenas dos años antes. Una clara muestra de la historia Argentina que va del éxtasis a la agonía en minutos. Por eso, al salir esta producción, muestra un país más oscuro debido a la creciente escalada de violencia que sobrevino luego de la muerte de Perón. Acá es donde el grupo cambia radicalmente su sonido al mostrarse en un formato eléctrico, lo que generó controversias tal como le pasó a Bob Dylan .

Los temas más emblemáticos de este disco fueron “Las Increíbles Aventuras del Señor Tijeras” y “Pequeñas Delicias de la Vida Conyugal”Obviamente como lo marcan los títulos hablan acerca de la espesa situación del momento como la censura, de la que no fue ajena la banda ya que le prohibieron la edición de dos temas: “Botas locas” y “Juan Represión”. Pero también las letras se referían a la violencia que ya había y que estaba por venir.

ADIOS SUI GENERIS

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Finalmente el grupo se disolvería hacia 1975 con el famoso “Adiós Sui Generis” en el Luna Park logrando un éxito de ventas de entradas sin precedentes para la época. La separación se debió a que Charly quería grabar un disco instrumental cuyo nombre iba a ser “Ha sido” pero las criticas de parte de los seguidores, los productores y la misma banda, terminaron por cansar a Charly que sentía que necesitaba adoptar un nuevo rumbo porque estaba para más. Así fue que se decidió la disolución de la banda en buenos términos.

Sin embargo este no fue el fin definitivo para la dupla Charly/Nito ya que quedaba pendiente la grabación de un disco con la banda paralela que integraban junto a otros destacados artistas llamada Porsuigieco.

BURBUJAS MUSICALES: PORSUIGIECO

Porsuigieco fue un proyecto al estilo Crosby, Stills & Nash (and Young), la fusión de los principales músicos de folk estadounidenses.
En este caso los principales músicos de folk argentino de la época se juntaron para una serie de conciertos en 1974 y decidieron llamarse Porsuigieco como una fusión de los nombres de los integrantes de la banda POR (Raúl Porchetto) SUI (Sui Generis y María Rosa Yorio) GIECO (León Gieco). Este supergrupo realizó una gira en conjunto en la cual el objetivo principal fue compartir buenos momentos y divertirse.

Finalmente las canciones de este proyecto quedaron plasmadas en el disco larga duración que llevó el nombre de la banda y que fue editado recién en 1976 con Sui generis ya disuelto.

Este disco quedaría en la historia por la calidad de los temas, “La canción de Jimmy” y “La colina de la vida” de León Gieco o “Quiero ver, quiero ser, quiero entrar” de Charly cantado por María Rosa. Pero sin dudas el mejor tema del álbum es lo que a mí entender es una de las mejores canciones de la carrera de Charly, lo cual es mucho decir. Estoy hablando de “El Fantasma de Canterville”, tremenda composición de Charly cantada por León Gieco que fue censurada y editada en algunas placas en forma oculta. Esta canción tiene una letra muy a tono con la época en la cual comienzan a aparecer alusiones a matanzas y a una ciudad que se empezaba a adormecer frente a los crimines de la triple A. “He muerto muchas veces acribillado en la ciudad” y “es mejor ser muerto que un número que viene y va” son dos frases categóricas de un Charly que comienza a despegarse del resto de los músicos del Rock Nacional para comenzar a edificar su reinado solo compartido por otro monstruo: Luis Alberto Spinetta.

La grabación del disco de Porsuigieco contaría con la participación de los futuros músicos de la banda que Charly tenía en la cabeza: La Máquina de hacer pájaros.

LOS YES DEL SUBDESARROLLO: LA MAQUINA DE HACER PAJAROS

Luego de la disolución de Sui Generis. Sin perder tiempo e influenciado por el sonido progresivo que estaba de boga en los años 70 con Yes, Genesis y Emerson Like and Palmer como principales exponentes, Charly forma un nuevo grupo llamado La Máquina de Hacer Pájaros. El nombre fue inspirado en una historieta de Crist. Esta banda como dijo Charly pretendía ser “el Yes del subdesarrollo”. La novedad consistió en introducir en escena dos teclados al mismo tiempo. Sus integrantes fueron Moro (integró varias bandas originarias de Rock Nacional) Cutaia (ex Pescado Rabioso) Bazterrica (futuro Abuelo de la Nada y nombre de un fallo judicial referido a la despenalización, tema de conversación en estos días) y Jose Luis Fernandez (ex Crusis).
La Máquina fue contemporánea al comienzo de la dictadura y es en este grupo donde Charly comienza a desplegar su enorme potencial como músico, compositor, cantante y letrista.


El disco debút fue llamado igual que la banda y en su portada tenía la curiosidad de una historieta completa dibujada por Crist, el mismo que inspiró el nombre del grupo.
Este LP contiene 7 temas largos y se destaca una de las mejores canciones de la carrera de Charly: “Como sopla el viento norte”. También incluye otro tema destacado como “Bubulina” que ya formaba parte del repertorio en vivo de Sui generis. La letra era un homenaje a María Rosa Yorio, por entonces pareja de Charly y mamá de Miguel, su hijo.


“Películas” es la segunda placa, editada un año después. La dictadura ya era un hecho y la censura y el horror estaban a la orden del día. Por eso el concepto se centraba en el nombre de un tema del disco llamado “Que se puede hacer salvo ver películas”. La tapa a tono con este nombre mostraba una especie de denuncia sobre el momento opresivo que se estaba viviendo y aparecen los integrantes de la banda saliendo del cine luego de ver una película llamada “Trama macabra”. A diferencia del álbum anterior este disco no dejará ningún clásico pero si un puñado de grandes temas. Charly tocando música progresiva es imperdible, es poder apreciarlo en una faceta distinta pero en la que se luce por completo.

La banda se terminó disolviendo por problemas internos, sobretodo cuando los músicos del grupo le empezaron a exigir a Charly que querían tener más participación en la composición. Luego de un concierto en el que las cosas estuvieron bastante tirante, al regresar, Charly se bajó de la camioneta que los llevaba con una botella de whisky que se había robado del lugar donde habían tocado y les dijo “chau” representando el fin de la banda. Un grupo que fue efímero pero importante en cuanto a la transición que Charly necesitaba para formar otra banda que será de las más importantes de la historia: Seru Giran.

LEJOS, LEJOS DE TODO: SERU GIRAN

Todo comenzó con Charly y su amigo David lebon cansados de la censura y la persecución y el terrible clima opresivo y de muerte que había debido a la dictadura. Es por eso que deciden irse a vivir juntos a Buzios con las parejas que ambos tenían por entonces y en el caso de David sus hijos.

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Antes de irse necesitaban juntar plata y es por eso que Charly organizó un recital llamado “El Festival del Amor" en donde tocarían junto a él una extensa lista de músicos invitados entre los que se contaban los miembros de todos sus grupos anteriores: Sui Generis, Porsuigieco, La Máquina y los de su futura banda, Seru Giran.
Este recital fue todo un éxito y significó el primer proyecto de Charly solo. Este festival fue editado en forma de disco años mas tarde.

Con el dinero recaudado, Charly y David pudieron quedarse en Buzios un tiempo largo y allí comenzaron a componer lo que serían los primeros temas de Seru Giran, un nombre que no tiene ningún significado sino que fue inventado. Para este proyecto convocaron a Oscar Moro, compañero de Charly en La Máquina de Hacer Pájaros. Para el puesto de bajista llamaron a Pedro Aznar que por entonces tenía tan solo 18 años y había maravillado a Charly.

La banda se larga al ruedo con un disco bautizado con el nombre de la banda. Este álbum fue demoledor, demostrando que la calidad de los músicos era digna de un dream team y cuyas canciones eran bastantes ambiciosas respecto de las que daban vueltas hasta ese momento en el Rock Nacional. Un debút más que promisorio, con grandes temas y letras que narraban la situación que estaban padeciendo los argentinos. Este LP incluyó dos enormes clásicos de todos los tiempos: Eiti leda y Seminare. Obviamente el compositor de semejantes maravillas fue Charly.

Sin embargo como le sucedió a los grandes genios de la historia, este cambio fue incomprendido y por ende muy criticado. Para Seru Giran, una de las bandas que terminaría siendo uno de las de más convocatoria en la historia del Rock Nacional no le fue todo tan fácil ya que cuando presentaron el disco la gente no comprendió el proyecto y le pedía a Charly sus temas viejos. Se fueron abucheados y la critica los mató.

La banda en lugar de renunciar insistió, comenzó de cero, tocando en lugares chicos y lanzando un nuevo LP llamado "La Grasa de las Capitales" que por estos días estuvo cumpliendo 30 años. Es con este álbum, que Seru logró el despegue. Un disco magnifico que se metió a todos en el bolsillo.

LOS SOBREVIVIENTES

Luego de un debút incomprendido, la banda decide ser más directa. Desde la tapa hasta las letras. "La Grasas de las Capitales" es un LP clásico. Una tapa memorable que parodiaba a la revista Gente y que involucraba a los integrantes de la banda en titulares farandulescos. La Grasa se refiere justamente a esta revista frívola, pasatista y completamente a favor de la dictadura. En cuanto a lo musical bajaron las pretensiones luego de no ser aceptados, sacando la orquesta participe del primer disco para pasar a temas menos complejos. Esto significó un cambio importante en cuanto al sonido pero no en la calidad de los temas. "Frecuencia Modulada" y "Canción de Hollywood" son canciones destacadas pero la mejor canción sin dudas es "Viernes 3 AM", un tema acusado de hacer apología al suicidio y que Charly dejó de tocar debido a que muchas madres le contaron que sus hijos eligieron esa canción para quitarse la vida.

Las cosas comenzaron a acomodarse para la banda. Una mejor recepción en los sucesivos conciertos brindados, una mayor venta de discos y una convocatoria que comenzó a crecer. Todo esto abrió la puerta a que la banda pueda componer sin presión los temas de su próximo disco que será un contraataque a la dictadura luego de un repliegue obligado. Este vinilo se llamó “Bicicleta”. Casi todos los temas se destacaron en este LP, por nombrar algunos, “Cuanto tiempo mas llevara”, “Desarma y Sangra”, “Encuentro con el Diablo” y “el tema de Nayla” compuesta por David, dedicada a su hija que casi pierde la vida en un accidente. “Canción de Alicia en el país” es una potente alegoría de la dictadura, que no fue filtrada por los censores al no captar el sentido metafórico de la letra. Lo cual habla de cuantas neuronas tenían “los señores manos de tijera”. Y por último, “Mientras miro las olas nuevas” era una sátira de los nuevos estilos musicales que estaban comenzando a aparecer en el país ya que se acercaban los 80 y el sonido comenzaría a cambiar de rumbo. Charly que cuestiona este nuevo sonido en esta letra, luego lo adopta y da vuelta atrás en su apreciación reivindicándolos en el tema “Raros Peinados Nuevos” que compondrá unos cinco años después en “Piano Bar”, su tercer disco solista.

La banda era puro éxito. Es en ese contexto que editaron “Peperina” que sería el último álbum y tal vez el menos destacado de los cuatro. El nombre hace alusión a una periodista cordobesa obstinada en cuestionar a la banda. El tema que da nombre al disco, “Cinema Verite” y “Salir de la Melancolía” son los más salientes de este álbum. Años mas tarde Peperina tendría una película bochornosa interpretada por Andrea del Boca.

NO LLORES POR MI

Finalmente y luego de obtener el record de convocatoria en la historia del Rock Nacional en un concierto brindado en La Rural, la banda llegaría a su fin hacia 1982 y se despide en una serie de conciertos en Obras registrados en el álbum en vivo “No llores por mi Argentina”. ¿Los motivos de la separación? Luego de formar parte del Rio Monterey Jazz Festival en Rio de Janeiro y compartir escenario con enormes músicos como Jaco Pastorius, entre otros, Aznar le dio unas cintas a su ídolo de entonces, el estadounidense Pat Metheny quien lo invitaría a formar parte de su banda. Charly decide no reemplazarlo y da por terminado el proyecto en un contexto en el que la dictadura estaba en retirada y él con cientos de ideas en su cabeza para volcarlas en lo que será su gran carrera solista que tiene un comienzo demoledor e inigualable. Pero esto queridos lectores será motivo de otro post.

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SINFONIA PARA ADOLESCENTES

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Tanto Sui Generis como Seru Giran tendrán regresos poco lúcidos. Conciertos masivos en los estadios de Boca y River respectivamente que aprovecharon todos aquellos que nunca los pudieron ver y edición de discos oportunistas y pocos recordados. Sin embargo ninguno de estos regresos opacó la grandeza y la importancia que tuvieron estas bandas en la historia del Rock Nacional.

ALFREDO ROSSO REIVINDICA A LOS COLECCIONISTAS

Coleccionistas Obsesivos, ¡el cielo es el límite!

Ser periodista tiene algo de fisgón. Uno es por naturaleza un preguntón, un tipo que inquiere y que se mete en las vidas ajenas –en mi caso la de los músicos, en mayor medida- a través de esa colección de chismes organizados que llamamos reportajes . Con el paso de los años, ¡oh ironías del destino!, me ha tocado a mí en varias ocasiones ser el entrevistado, generalmente para hacer de opinador en alguna cuestión que tiene que ver con determinado músico o determinado género musical, pero también sobre alguna cuestión baladí como si es valedero o no un concurso de “guitarra de aire”. Y a pesar de suscribir al adagio ese de que uno es amo de sus silencios y esclavo de sus palabras, confieso que también he aportado muchas veces a la pobre caja de esa gran profesión nacional no reglamentada: ser opinador. Todos opinamos de todo, total ¿qué le hace una mancha más al tigre de la desinformación cotidiana? Pero, bueno, el caso es que, antes de dejarme opinar, una de las preguntas más comunes es ¿cuántos discos tenés? Y es un poco como si te preguntasen si tu trencito eléctrico tiene muchas vías, túneles y puentecitos. Si decís una cifra cualquiera, pongamos por ejemplo 3.000 CDs y 2000 vinilos, se hace un silencio del otro lado de la línea, que no sabés muy bien si la otra persona estará pensando “¿tendrá tiempo de escucharlos todos?” o “se ve que este muchacho no era muy popular con las chicas si tuvo tanto tiempo para dedicarle a los disquitos…”

Ahora bien, yo quiero hacer caso omiso a todas esas suspicacias y brulotes –que sin duda son parte exclusiva de mi paranoia social- y aprovechando la reciente feria del coleccionismo discográfico que organizó el amigo Mikel Barza, reivindicar de una vez y para siempre a la figura del coleccionista de discos, en cualquiera de sus formatos, en un momento en que el soporte musical corre peligro de ser sepultado por la increíble levedad de un aluvión de ceros y unos comprimidos insaboros, incoloros y despersonalizados.

Para empezar, si eres un coleccionista de discos, en el fondo, algo de curiosidad y afecto por la gente debes tener. Cualquier proceso artístico, desde un libro a una película, desde un cuadro a una obra de teatro y desde ya un disco, presupone un creador y un receptor. Y un disco es una obra maravillosa que obra en varios niveles, que incluyen: a) la obra sonora en sí, con los diversos sonidos de los instrumentos y, en el caso de la mùsica popular, las voces de los artistas y las letras de las canciones. b) El aspecto visual. El arte de portada, con la foto de los músicos, con un dibujo, con el comentario de algún colega, con las fotos de las sesiones de grabación, con un boceto genealógico de la banda, etc. c) La estética del disco en sí. En el caso del vinilo, si la tapa es doble, si tiene lomo ancho, si es de cartón brillante u opaco, o con relieve. Si tiene formas curiosas, como el medallón de “E Pluribus Funk” de Grand Funk Railroad, el pescado de “Artaud” o la lata de “Second Edition”, de Public Image Ltd. Si trae un poster, sobre interno ilustrado, si el vinilo es de color, etc, etc, etc.

Todos estos detalles no son cosas superfluas o accesorias, sino que nos ponen en sintonía con el mundo de valores e inquietudes del artista en cuestión. Cuando Luis Alberto Spinetta decidió que la tapa de “Artaud”, en lugar de ser cuadrada, iba a tener forma de pescado, estaba adoptando una postura artística contra el arracimamiento de las cosas que se fabrican en serie, todas igualitas –como las tapas cuadradas de los discos- mal que le pesara a todos los encargados de tiendas de discos que no sabían cómo guardarlo en sus bateas y que se deben haber acordado del Flaco más de una vez en términos no demasiado cordiales. Pero ahí hay toda una decisión estética que nos conmueve y que nos hace tomar partido, por sí o por no. Y piensen, sin ir más lejos, en el “Sgt. Pepper’s” de los Beatles. En la contratapa del disco, aparecido en junio de 1967, decía “garantizamos con este disco un buen momento para todos” y, en verdad, el álbum todo era como la invitación a una fiest a de cumpleaños. En la tapa estaban los Beatles, vestidos de uniforme de colores y sus invitados primordiales: actores, gurúes, músicos amigos, en fin, personales que ellos querían y respetaban. En la contratapa aparecía la letra de las canciones (toda una innovación en aquel entonces) para que todos pudiésemos cantar con ellos y adentro había un póster con figuras para recortar con memorabilia del famoso Sargento Pimienta.

En definitiva, un disco nunca fue un objeto que llegaba a tus manos simplemente como resultado de una transacción comercial: siempre es un talismán mágico, un pasaporte al aura de otras personas que le aportan color a tu vida, una ventana abierta a su mundo, que en cierta manera es también el tuyo, visto desde otra óptica. Y como esos cuentos que nos contaban de chicos antes de dormir, o como esas series de superhéroes de las que no queríamos perder ningún capítulo, lo mismo nos sucedió con los artistas que admiramos. Después de “Por Favor Yo” (con mala traducción y todo…) quisimos tener “Con Los Beatles” y “Yeah Yeah Yeah – Anochecer de un Día Agitado” y “Beatles For Sale” y “¡Socorro!” y “Rubber Soul” y así hasta “Let It Be”. Y eso que se daba con los Beatles a otros les pasó con Led Zeppelin, con Los Piojos, con Pink Floyd, con los Redonditos… La cuestión que está detrás de cada compra compulsiva no es meramente el completismo, sino la curiosidad, la capacidad de asombro que quiere seguir ensanchándose: ¿Qué nuevas historias tienen para mí? ¿Qué nuevos comentarios sobre la vida de gente como yo, sobre el mundo en el que vivo, sobre las cosas que me gustaría cambiar, sobre las cosas que me gustaría que sigan siendo así? ¿Qué nuevos sonidos y éxtasis invictos me depararán?

Pero esa, claro está, es la parte más obvia del coleccionismo: querer tener todos los discos de un artista determinado, que es como querer tener todas las novelas de determinado autor o ver todas las películas de determinado director. La siguiente fase es pregutarnos ¿cuándo se pasa a ser un coleccionista sin remedio? Bueno, algunas pistas: cuando uno decide comprar ese single cuyo lado A está en el álbum que ya tenemos, ¡pero tiene un lado B inédito!. O tiene funda ilustrada. O tiene un comentario especial y único. O todas esas cosas a la vez. O cuando uno comprueba que, de un mismo tema, hay versiones diferentes en el single que en el long-play. O en ediciones distintas del mismo long-play. Por supuesto, tenemos que tenerlos TODOS. Ya podemos ir a anotarnos a “Coleccionistas Anónimos.”

Y ya en un grado de enfermedad avanzada de coleccionismo, está el caso de querer tener el mismo disco, ya no sólo en diferentes ediciones de un mismo país, sino en ediciones de varios países del mundo. Algunos coleccionan sólo los que tienen alguna leve diferencia: un sello distinto, un color algo más opaco o brillante en la portada o directamente una foto diferente del artista. Otros ya no les importa si es exactamente igual la edición del Album Blanco de Los Beatles de Italia que la de Portugal o la de Ingalterra. ¡Ellos quieren las tres! Y la de la India también… Algo fascinante del coleccionismo musical es que cada formato que ha ido apareciendo a través del tiempo tiene sus propios atractivos para el coleccionista: la era del vinilo proporcionó miles de motivos, porque por un lado tuvimos los discos de pasta o como se dice en España, de pizarra, de 78 rpm; luego los mini-álbumes de 10” que traían por lo general cuatro temas por lado; después los long-plays de 12”, los singles de 45 rpm, los EPs, Extended Plays, que en la Argentina se conocieron siempre como “dobles”, generalmente con portadas ilustradas y luego -ya en la última edad de oro del vinilo, la del punk y la música Disco- los singles de 12” pulgadas con mixes diferentes o versiones extendidas de hits masivos.

Estamos de acuerdo en que el Compact Disc es mucho menos glamoroso a la hora del coleccionismo y sin embargo, la llegada del CD trajo aparejado un nuevo sistema de valores para los coleccionistas porque, para empezar, como ofrecía una duración que era más del doble de la del disco de vinilo, uno de los argumentos que nacieron junto con el CD fue el de los bonus tracks, que venían a complementar el álbum original. Así, álbumes que durante décadas tuvieron la misma cantidad de canciones se vieron aumentados con versiones alternativas de esos mismos temas, versiones en vivo, lados B de simples o canciones de EPs que nunca habían salido en forma de álbumes y demás delicias que hicieron que comprásemos otra vez (¡y hasta varias veces más!) una obra que –esencialmente- ya teníamos. Es más, la llegada del CD, su menor tamaño y practicidad, originó el concepto de The Box, o sea, la caja de varios Compact Discs que ha sido utilizada para realizar antologías de un artista, en ocasiones con multitud de temas inéditos, y en la mayoría de los casos con lujosos libretos explicativos con más y más y más datos para acumular en el CPU cerebral del coleccionista que se precie.

Obsesivos, monopolizadores de charlas, enciclopédicos, retentivos anales, los coleccionistas musicales coleccionan también –esto sin proponérselo- los más variados epítetos de parte de los que, claro, no han sido picados por este particular bichito. Pero, en última instancia, la vida es demasiado corta y abundante en Waterloos cotidianos como para negarse placeres que, aunque enflaquezcan la cuenta bancaria, estimulan el placer de estar vivos. Eso sí, no me pregunten cómo se coleccionan MP3…

http://weblogs.clarin.com/revistaenie-consecuencias/archives/2009/08/coleccionistas_obsesivos_el_cielo_es_el_limite.html#more

RADIOHEAD: KID A

Qué: Kid A
Quién: Radiohead
Cuándo: 2000
Dónde: Stand Soy Rock

Porqué: El cuarto álbum de Radiohead se convertirá en una bisagra para la historia de la banda luego del éxito que tuvo su antecesor, el ya clásico, OK computer.
La bisagra se debe a que, para estar a tono con la nueva década que estaba comenzando, el grupo abandona su sonido más tradicional y comienza a experimentar en sonidos nuevos, especialmente el electrónico. El resultado es que la banda nuevamente logra un gran éxito sin siquiera lanzar un video para promocionar el álbum. Pero al mismo tiempo logra las críticas mas duras de parte de los fans más acérrimos.
Radiohead es un excelente grupo, hoy convertidos en una banda de culto. Es totalmente destacable que hayan hecho lo que sienten por sobre lo que vende. Sobretodo estando en la cima de la popularidad. Realmente para sacarse el sombrero.

Cómo: Para este disco Radiohead se aleja de las tres guitarras que los caracterizaba anteriormente y pasa a incorporar toda clase de instrumentos que será los que los va a terminar caracterizando hasta el día de hoy. Con el paso del tiempo tanto esos fans como los críticos que en su momento defenestraron este golpe de timón lograron comprenderlo y lo terminaron asimilando. Radiohead tiene el merito de haber logrado que un disco experimental sea un éxito, algo que rara vez ha sucedido.

THE SIMPSONS: SING THE BLUES

Qué: Sing the Blues
Quién: Los Simpsons
Cuándo: 1990
Dónde: Parque Centenario

Porqué: Este CD lo conocí mediante un amigo cuando éramos chicos. Ya más de grande me lo prestó un tiempo hasta que pude conseguir el mío.
En medio de la fiebre amarilla desatada a principios de los 90, no podía faltar un disco de la serie, sin embargo en lugar de ser un curro habitual, a los productores se les ocurrió darle una vuelta de tuerca más original al asunto. Esto consistió en que el disco sea enfocado en los personajes del programa cantando Blues. Así es como aparecen Encías sangrantes junto a lisa bluseando y el éxito de Chuck Berry “School Days” cantado por Homero y utilizado en las promociones de TELEFE. Finalmente aparecen dos canciones cantadas por Bart que supieron ser las delicias de aquellos que trasnochaban mirando Music 21: “Do the Bartman” y “Deep Deep Trouble”.

Cómo: Una joyita de colección para los fanáticos de los verdaderos Simpson, o sea los de las primeras siete temporadas. Aprovechando el terrible éxito que tuvo la serie en sus comienzos, era obvio que entre tanto merchandising lanzaran un disco con la banda de sonido del programa, pero lo bueno de todo esto es que lograron un disco buenísimo al vincularlo con el Blues. Tal es así que participaron grossos del género como BB King y el Dr. John entre otros.

THE CURE: DISINTEGRATION

Qué: Disintegration
Quién: The cure
Cuándo: 1989
Dónde: Musimundo de Unicenter

Porqué: Este es el octavo disco de la banda y fue el que los consagró de manera definitiva.
Disintegration es para los darks el mejor álbum y el único de la historia. Lo que si se puede decir es que es un disco formidable con una oscuridad impresionante. Un disco que artísticamente es maravilloso. Marcó a muchísima gente e influyó en muchísimas bandas.

Cómo: The cure ya era una banda exitosa de los 80, que tenia un sonido acorde a esa década. Su música era más orientada a un pop más oscuro hasta que este álbum los consagra como la banda dark por excelencia. No hubo ni habrá otro grupo como este en ese estilo.

AEROSMITH: GRET A GRIP

Qué: Gret a Grip
Quién: Aerosmith
Cuándo: 1993
Dónde: Parque Rivadavia

Porqué: Al igual que los Guns y nuevamente llevando la contra de mí generación (que raro) no me gusta mucho Aerosmith. Sin embargo viví a pleno el furor desatado por este disco.
Si no lo escuchaste o no te sabés de memoria el video de Crazy directamente no viviste los 90. Recuerdo que todos estaban a full con esta banda y yo participé de ese furor aunque sin que me gustara mucho el estilo de Aerosmith.
El recuerdo y la importancia de esta banda en mi generación es lo que me llevó tanto a comprar este disco como a verlos en vivo.

Cómo: Get a Grip es un caso extraño porque la banda lo editó con 30 años de trayectoria y fue su disco número 17. Sin embargo es el que más se recuerda, por lo menos en Argentina. Posiblemente el video de Crazy con Alicia Silverstone y Liv Taylor rotando en pleno apogeo de MTV haya influido en algo. Quizá también ayudó la aparición de la banda en los Simpsons y su recital en la cancha de Vélez que terminó de redondear el fanatismo de parte de los jóvenes argentinos de principios de los 90 hacia esta banda.

GUNS AND ROSES: APPETITE FOR DESTRUCTION

Qué: Appetite for Destruction
Quién: Guns and roses
Cuando: 1987
Dónde: Colección Rolling Stone 50 años de rock

Porqué: A decir verdad nunca me gustaron mucho los Guns. Cuando era chico mi generación enloquecía por estos muchachos. Use your illusion hizo estragos en la juventud de este país, tal es así que vinieron dos años consecutivos para tocar en River.
Sin embargo a pesar de que no me convencen demasiado debo decir que este disco lisa y llanamente la rompe. Hard rock puro de fines de los ochenta. Los Guns entregan aquí un debut demoledor que los lanzó a la cima del rock mundial de la mano de los hits “Welcome to the Jungle”, “Paradise City” y por supuesto el clásico “Sweet Child O Mind” con ese riff inconfundible gracias a la magia de Slash.

Cómo: Una banda que hizo historia y llegué a vivirla en su apogeo. Un disco tremendo imposible de ignorar a pesar de los gustos personales. Canciones potentes que marcaron a toda una generación y 22 años después ya son todo un clásico.

MANAL: MANAL

Qué: Manal
Quién: Manal
Cuándo: 1970
Dónde: Musimundo de Unicenter

Porqué: Este disco lo tengo mas por la importancia que tiene para el rock nacional que por lo que me puede llegar a apasionar la banda. Sin embargo es destacable, teniendo en cuenta la época, que siendo una de las primeras bandas que se formaron tenga temas realmente muy buenos como “Avellaneda blues”, “Una casa con diez pinos” y el clásico “Jugo de tomate frío”. De esa manera se puede explicar como les rompía la cabeza a los jóvenes de fines de los sesenta

Cómo: Manal fue una banda pionera al cantar blues en castellano. Junto con Los Gatos y Almendra son considerados como la primera sagrada trinidad de nuestro rock.
Este disco es de vital importancia por la influencia que les dará a las bandas que vendrán después. Es por eso que hay un consenso general que remarca a este LP como uno de los tres más importantes en la historia de nuestro rock.

AC/DC: LIVE

Qué: Live
Quién: AC/DC
Cuándo: 1992
Dónde: Disquería Calle Florida

Porqué: Este disco es un greatest hits en vivo, con toda la energía y la potencia que puede dar esta gloriosa banda. Imposible decir este tema se destaca más que este, sino que todos y cada uno de ellos te mantienen con los pelos de punta y con la sensación de estar sentado en una silla eléctrica. Muy recomendable si algún día necesitas arrancar con pilas. Con este disco no hay Speed que alcance.

Comó: AC/DC es posiblemente la banda con mas energía que haya existido.100% de puro rockandroll que despierta la devoción de millones de personas en todo el mundo.
A principios de los 90, la banda ya no estaba en su apogeo sin embargo gozaba de perfecta salud. Lo cual es lo único que importa en un disco en vivo. Un disco que desde el primer segundo rockea como pocas bandas lo pueden hacer, depositando a AC/DC al culto máximo de parte de los amantes del rock más clásico.

2 MINUTOS: VALENTIN ALSINA

Que: Valentin Alsina
Quién: 2 Minutos
Cuando: 1994
Dónde: Musimundo de Belgrano

Porqué: Banda clave de principios de los 90. Junto a los Violadores y A77aque conforman la sagrada trinidad del Punk argentino.
Este fue el disco que los consagró, sobretodo por “Ya no sos igual” uno de los temas fundamentales de los noventa, que fue el gran hit que llevó a la banda a llenar un Obras y telonear a Los Ramones y a Motorhead.
Yo considero que el Punk es una música bien cabeza como lo era 2 Minutos. Por eso nunca me convenció la inocencia adolescente de chicos bien que proponían los A77aque.

Cómo: Se podría decir que 2 Minutos junto a La Renga fueron quienes hicieron más hincapié en la movida roquera que se había gestado en los barrios suburbanos, y a su vez en hacer apología a la esquina donde se juntaban los pibes de esos lugares. Lejos de las luces y los flashes del menemismo y por fuera del circuito rocker del establishment capitalino.

LAS PELOTAS: MAXISINGLE

Qué: Maxisingle
Quién: Las Pelotas
Cuándo: 2002
Dónde: Galería de Belgrano

Porqué: Este simple tiene tres temas “Desaparecidos”, “La creciente” y “Si sentís”. La calidad de esas canciones demostraba que lo que estaba por venir era muy bueno y que luego de tanta espera finalmente llegaría el milagro.
En su momento este CD no lo compré de colgado pero cuando me quise acordar ya estaba agotado y descatalogado. Finalmente luego de muchos años de búsqueda lo pude conseguir y así completar la estupenda discografía pelotera.

Cómo: Entre 1999 y el 2003 Las Pelotas estuvieron sin editar un disco. Pero en el medio y para calmar las ansias de sus seguidores, lanzaron un maxi single con la idea de adelantar el nuevo material. Este disco fue presentado en el Teatro de Colegiales en el 2002, recital al que asistí. A partir de allí la banda comenzó a crecer hasta por fin llegar a tener el éxito que les había sido esquivo y que no merecían en absoluto.

JIMMY HENDRIX EXPERIENCE: LIVE AT MONTEREY

Qué: Live at Monterey
Quién: Jimmy Hendrix
Cuándo: 2007
Dónde: Stand de Soy Rock

Porqué: El concierto brindado por Hendrix en el festival de Monterrey de 1967 significó un antes y un después en su carrera. Esto se debió a que su particpación le permitió consagrarse frente al público norteamericano, luego de ser el músico sensación entre los británicos. Es en este recital en donde todos quedan boquiabiertos con su tremenda actuación y donde realizó la ya icónica escena en la que quema su guitarra como si fuese un ritual.

Cómo: Este CD compila diez temas de ese recital que circuló durante décadas entre los fanáticos como un preciado material de colección no oficial. En esta ocasión luego de adquirir los derechos de comercializar su música, la familia del guitarrista legaliza esa cinta pero lamentablemente no logra tener un sonido adecuado para ser lo que puede ser considerado como un disco oficial. Por el contrario este disco sigue teniendo el mismo sonido que puede tener lo que acá se conoce como pirata o afuera como bootleg.
Mas allá de que es un registro histórico y un documento importantísimo, de ser una edición con una gran tapa y fotos geniales, uno no deja de tener la sensación de sentirse un poco robado por la calidad del producto.

NIRVANA: INCESTICIDE

Qué: Incesticide
Quién: Nirvana
Cuándo: 1992
Dónde: Disquería de Congreso

Cómo: Al ser un compilado de inéditos, lados B, descartes y covers previos al éxito, los temas presentes en el disco son más genuinos y frescos que su antecesor “Nevermind” y su predecesor “In Utero”. Realmente este es un disco lleno de grandes canciones, que inexplicablemente quedaron afuera de las dos producciones anteriores, como “Dive”, “Sliver”, y “Aneurysm” Lo cierto es que para aquellos que les gusta Nirvana ninguna de las 15 composiciones que ofrece Incesticide tienen desperdicio .

Este CD tambien es un documento importante ya que aparecen los primeros temas grabados por la banda en un estudio y que cuentan con la participación de Dale Crover, baterista de The Melvins, (grupo fundacional del Grunge) que colaboró con Nirvana en sus comienzos. Los temas grabados y que aparecen en el disco son “Beeswax”, “Downer”, “Mexican Seafood”, “Hairspray Queen” y “Aero Zeppelin”.

El arte de tapa es un dibujo extraño hecho por el mismo Kurt Cobain pero bajo el seudónimo de kurdt. En el sobre interno aparece un texto, también escrito por el líder de la banda, en el que narra sus sensaciones del momento y en donde menciona lo mal que lo pasó en Argentina en el recital que Nirvana ofreció en la cancha de Velez en 1992. Esto se debió a que el público agredió a las Calamite Jane, el grupo soporte, amigo del cantante. Este hecho provocó la furia y el fastidio de Kurt, quien a modo de represalia hizo un set rápido, corto y amagó tres veces a tocar el megahit “Smell Like Teen Spirit” para finalmente no ejecutarlo y dejar con las ganas al público argentino.
Si bien no tengo pruebas fehacientes de que realmente haya sido por ese suceso, lo cierto es que luego del mal trago de Kurt en Argentina, no vino ninguna banda Grunge al país durante toda la época dorada del género y a pesar del 1 a 1 que hizo que viniera toda clase de artista. Recién a mediados de la actual década comenzaron a venir, ya en su ocaso, bandas como Pearl Jam, Chris Cornell (cantante de Soundgarden), Melvins y Mudhoney.

Porqué: Aprovechando la fiebre desatada en todo el mundo por el éxito impresionante del “Nevermind” Nirvana mete mano a 15 temas compuestos entre 1988 y 1991 que quedaron afuera de los dos discos anteriores. El resultado es inmejorable ya que aparece en escena el Nirvana más auténtico, el menos comercial y el que más le gustaba a un Kurt Cobain que no tenía que lidiar con el peso que le provocó la fama.

LED ZEPPELIN: LED ZEPPELIN

Qué: Led Zeppelin
Quién: Led Zeppelin
Cuándo: 1969
Dónde: Parque Centenario

Porqué: Debut de uno de los grupos más importantes de la historia. Endiosados hasta el cansancio y cuyo mito y culto llega hasta nuestros días. Temas impresionantes, como “Communication Breakdown” y “Dazed and Confused” demuestran que la banda no se andaba con chiquitas y que estaba dispuesta a conquistar el mundo, objetivo que terminó consiguiendo años después.

Cómo: Si bien este no fue el mejor álbum de la banda, sirvió para instalarlos en una escena que iba abandonando la cultura hippie y entraba en la década de los 70 dando comienzo a una nueva era que dio nacimiento al Heavy Metal. Este nuevo género provocó un estilo de vida que adoptaron millones de personas en todo el mundo y cuya punta de lanza fue justamente Led Zeppelin junto con Black Sabbath.

THE DOORS: STRANGE DAYS

Qué: Strange Days
Quién: The Doors
Cuándo: 1967
Dónde: Galería de Belgrano

Porqué: Luego del tremendo éxito logrado con el álbum debut que los lanzó a la fama, los Doors logran sortear el desafío de salir indemne del siempre difícil segundo disco. Si bien no se destacan todos los temas como sucedió con el LP anterior, aquí algunas canciones logran la misma grandeza como por ejemplo “People are Strange” o bien como “Strange Days”, que le da nombre al disco. Pero sin dudas el gran tema del albúm es el que cierra el mismo: “When the musics overs”. Un final que mantiene el mismo nivel que The End, la última canción del primer disco.
El CD que tengo forma parte de la edición del 40 aniversario de la banda que incluye bonus tracks y un librito muy completo con fotos e información del disco.

Cómo: En el año más importante en la historia del rock, debido a la gran cantidad de discos importantísimos que fueron editados, los Doors pegan el gran salto con su primera producción, que lleva el mismo nombre de la banda y meses después su confirmación justamente con este disco. Algunas de las canciones que forman parte de este LP tuvieron un gran éxito convirtiendo a la banda en una de las más importantes del momento y a Jim Morrison como un rockstar irrepetible.

OASIS: DEFINITELY MAYBE

Qué: Definitely Maybe
Quién: Oasis
Cuándo: 1994
Dónde: Colección 50 años de Rock de Rolling Stone

Porqué: Definitely Maybe fue, sin dudas, uno de los mejores discos debút de la historia con una producción que incluye doce temas impecables. Temazos inolvidables como “Rock and Roll Star”, “Shakermaker” “Live forever” y “Supersonic” hicieron que esta banda se codeara entre las mejores y lograra conquistar el mundo un par de años después con el siguiente disco, terminando de confirmar que no fue casualidad el gran nivel demostrado en este álbum.

Cómo: Mientras el cadáver de Kurt Cobain seguía fresco asestándole un golpe mortal al rock, desde Inglaterra aparece nuevamente la salvación con el último movimiento de importancia conocido hasta el momento. A mediados de los 90, el Brit Pop, logró tener el mundo entre sus manos con bandas como Oasis, Blur y The Verve.

A pesar de las constantes peleas entre los hermanos Gallagher, los escándalos frecuentes, el recambio permanente del resto de los músicos y las feroces críticas hacia cada nuevo CD que sacan, Oasis sigue, sigue y sigue a diferencia de las otras bandas de su misma época que se fueron quedando en el camino.

SYSTEM OF A DOWN: SYSTEM OF A DOWN

Qué: System of a Down
Quién: System of a Down
Cuándo: 1998
Dónde: Disquería en Palermo

Porqué: El disco debút de una banda que me gusta mucho y cuyo estilo es difícil de encasillar. En este caso el sonido de este primer album es diferente de aquel que los caracterizará más adelante ya que aquí abunda lo que sería una especie de heavy metal alternativo. Los temas destacados en este disco son tres clásicos de la banda como “Spiders”, “Sugar”, y “War?”

Cómo: En 1995 se formó esta banda integrada por californianos descendientes de armenios. Se destacan por tener letras explosivas, comprometidas y muy críticas. Y también por componer con instrumentos pocos convencionales. En la tapa de este disco la mano que aparece es de John Heartfield, un artista militante del partido comunista alemán durante el nazismo.

PEARL JAM: VITALOGY

Qué: Vitalogy
Quién:Pearl Jam
Cuándo:1994
Dónde: Mercado libre

Porqué: Pearl Jam se destaca con un disco experimental en el mismo año que se decretó la muerte del Grunge. Un disco tremendo para una banda tremenda, con temazos como "Spin the Black Circle", "Not For You" o "Corduroy". Al dejar de editarse el vinilo, a partir de este disco, Pearl Jam comienza a tomarse el trabajo de entregar sus producciones en packackings de lujo, en este caso con un gran librito de 36 paginas.
Como en Argentina la mayoría de los discos de Pearl Jam son caros y difíciles de conseguir, me compré la cajita sin CD en Mercado libre por chirolas y después casualmente había otro tipo que vendía el CD solo también muy barato, asi fue como terminé teniendo este gran disco, armándolo de a poco y por un precio irrisorio.

Cómo: Pearl Jam a esta altura se encontraba en la cúspide de su carrera, cosa que no les causaba mucha gracia por las cosas que les quitaron para llegar ahí. La banda estaba cansada de girar, peleada con la discográfica, con disputas internas que terminaron alejando al baterista y agobiados por una enorme disputa judicial con Ticketmaster. Todo eso en el mismo año en el que se suicida Kurt Cobain muriéndose con él la fiebre del Grunge. La banda termina haciendo catarsis mediante un disco que la aleja de su sonido tradicional para lograr canciones geniales y poco comerciales que, de todos modos y a pesar de no buscarlo, terminaron siendo muy exitosas.

U2: OCTOBER

Qué: October
Quién: U2
Cuándo: 1981
Dónde: Disquería de Avenida Centenario en San Isidro.

Porqué: Segundo disco de la banda irlandesa. Los primeros discos de U2 no son conocidos y son muy poco populares hecho que da lugar al disfrute de quienes no se suben al trencito U2 comercial/careta. Siempre está bueno escuchar qué tenía para mostrar una banda cuando no era ultrafamosa. En el caso de U2 con “Boy” y “October” encontramos un sonido New wave, ya que ellos en su adolescencia eran punks (increíble, viendo lo que son ahora). Sin embargo, en este CD las letras se enfocan mucho en dios. Bono nunca dejó de lado su costado religioso, de eso habla "Gloria", el tema más destacado del disco.

Cómo: En esta epoca U2 se va afirmando y va tomando carrera para lanzarse de una vez y para todas a la fama y la consagración total. Para esto pasaron primero por el under y aprovechando el éxito de "I will follow" de su disco debut siguen buscando su camino y su identidad pasando primero por la transición de "October", para encontrarlo en "War" y consagrarse con "The Joshua Tree". Sin embargo "October" que es tal vez el disco menos conocido de U2, es clave para aquellos que les gusta explorar y descubrir facetas poco conocidas y canciones abandonadas.

RED HOT CHILI PEPPERS: THE RED HOT CHILI PEPPERS

Qué: The Red hot chili Peppers
Quién: Red hot chili Peppers
Cuándo: 1984

Dónde: Disquería de la calle Belgrano en San Isidro.

Porqué: A pesar de lo que todos creen los Red Hot no son una banda que empezó en los 90 sino que por el contrario empezó en los 80. Este es el CD debut de la banda que salió en 1984. Obviamente en su momento no tuvo ningun tipo de repercusión, para eso deberían insistir durante cuatro discos y siete años más. Funk under, bien sucio, y unos pibes con hambre de gloria. Fisus y limones. El premio mayor se lo lleva sin duda el bajo de Flea. Un disco caótico y con treinta minutos de buenas canciones.

Cómo: Una banda que le peleó de abajo, siempre con un sonido al cual apostaron a crecer y lo lograron ya que pocas bandas eligieron el camino del funk como ellos. Excepto por Flea y Anthony quienes estuvieron siempre, el resto de la banda fue rotando hasta dar con Frusciente y Chad, a fines de los ochenta, formación con la que finalmente se consagraron.

METALLICA: ST.ANGER

Qué: St. Anger
Quién: Metallica
Cuándo: 2003
Dónde: La Catedral del Ritmo (Núñez)

Porqué: El primer disco en estudio de Metallica luego de seis años generó una gran expectativa, pero lo cierto es que no estuvo a la altura de la misma. Su retorno dio que hablar en su momento y la crítica fue más bien neutral luego de aniquilarlos con el golpe de timón dado en “Load” y “Reload”. Este disco coquetea con el Nu Metal, sonido de moda a principio de la década. Un disco livianito por ser Metallica y sin ningún solo de parte de ningún músico. Se pueden rescatar “Frantic”, “Dirty Window” y "All Within My Hands”. Para octubre de ese mismo año iban a presentar el disco en River, pero a pesar de las entradas agotadas la banda dejó plantados a todos con la famosísima excusa de “cansancio físico y mental” Esta edición incluye un DVD (el primero que tuve en mi vida) en el se muestra a la banda en su sala de ensayo tocando en vivo todos los temas del disco.

Cómo: Plagada de conflictos internos y con la partida de Jason Newsted la banda estuvo a un pelo de separarse pero lograron continuar juntos con atención psicológica mediante, hecho retratado en el documental “Some Kind of Monster”. Se incorpora Robert Trujillo y finalmente luego de mucho esfuerzo logran editar lo que fue su octavo disco, pero no generó ningún tipo de euforia mas allá de la insistente promoción que tuvo el disco.

THE ROLLING STONES: GOATS HEAD SOUP

Qué: Goats Head Soup
Quién: The Rolling Stones
Cuándo:1973
Dónde: Musimundo de la calle Florida

Porqué: Un CD que me gusta mucho a pesar de que generalmente no se destaca por ser el primero después de la considerada época dorada que va desde 1968 hasta 1972. Incluye grandes temas que fueron dejados afuera en otras ocasiones como "Can you hear the music", "110 years ago" o "Star Star" (originalmente llamado Starfuckers pero fue censurado) Aunque sin dudas este CD pasó a la historia por incluir un ultraclásico: Angie

Cómo: El sonido de este disco se diferencia de los anteriores al incluir menos rockandroll y más funk y soul, que eran sonidos de moda de la época. Al incluir temas inéditos o descartes generaron que disminuya el nivel altísimo alcanzado en los discos anteriores.

SPINETTA: SPINETTALANDIA Y SUS AMIGOS

Qué: Spinettalandia y sus amigos
Quién: Spinetta
Cuándo:1971
Dónde: Musimundo de Belgrano

Porqué: Primer disco solista del flaco. Enorme valor documental para un CD grabado junto a Pappo y Miguel Abuelo, hecho que convierte a este disco en un hito. Musicalmente no se destaca demasiado ya que esta hecho de manera improvisada y rápida para sacarse de encima el contrato discográfico que lo ataba a Spinetta. Pero aun así hay que nombrar a los temas compuestos por Pappo: “Castillo de Piedra” (luego editado en Pappo´s Blues 2) y “Era de Tontos”

Comó: Un disco que sirve como nexo entre Almendra y Pescado Rabioso. Grabado junto a Pappo y Miguel Abuelo, entre otros y en pleno viaje de acido hicieron un puñado de temas para sacarse de encima el contrato discográfico que lo ataba al flaco y no lo dejaba irse a Europa. La compañía a modo de desagravio lo edita bajo el nombre de “Almendra” primero y “En busca de una estrella” después. Hecho que terminó generando un juicio.

RAMONES: ITS ALIVE

Qué: It´s Alive
Quién: Ramones
Cuándo: 1979
Dónde: Lo tome prestado de la casa de un amigo, ya que era intolerable verlo acumular polvo entre Diego Torres y Pancho y la Sonora Colorada.

Porqué: Es el primer CD en vivo de los Ramones, incluye temas de los tres primeros discos. Se destacan los clásicos de la banda tocados a gran velocidad, “Blitzkrieg Bop" "Sheena Is a Punk Rocker" y “Rockaway Beach” entre tantos otros.

Cómo: El punk estaba en la cúspide con la explosión de los Pistols y The Clash en UK, los Ramones, demuestran en este CD porque con su potente sonido en vivo influenciaron a estas bandas hasta terminar generando una bisagra en la cultura rock.

THE CLASH: LONDON CALLING

Qué: London Calling
Quién: The Clash
Cuándo: 1979
Dónde: amazon.com

Porqué: Es un CD fundamental en la historia del rock. Esta es la edición del 25 aniversario de un disco importantísimo por la influencia que generó a cientos de bandas de todo el mundo. Incluye el CD original, un CD con grabaciones alternativas que se creían perdidas, llamado The Vanilla Tapes, un DVD con la historia y un pack de lujo con un libro repleto de info. Demás está decir que la mayoría de los temas son geniales destacándose “Train in vain” y “London calling”.

Cómo: The Clash junto a los Sex Pistols y los Ramones conforman la sagrada trinidad del punk. Aunque el sonido de ellos se destaque por ser menos monótono e incluir reggae, ska y dub. También se distinguen por sus letras combativas y contestatarias. En definitiva, una gran banda considerada como una de las más importantes en la historia del rock.

CHARLY GARCIA: INFLUENCIA

Qué: Influencia
Quién: Charly Garcia
Cuándo: 2002
Dónde: Musimundo de Belgrano

Porqué: Un disco aceptable teniendo en cuenta los últimos diez lastimosos años de Charly, con temas rescatables como "Tu vicio", "Influencia" y "Encuentro con el diablo". De todos modos queda muy en evidencia que a Charly ya no se le cae una idea ya que este disco cuenta con solo cuatro temas nuevos, el resto, son covers, reversiones y repeticiones. La voz arruinada y las letras…dejemoslo ahí.

Cómo: El Charly de la década del 2000 dio pena a tal punto que tocó fondo y terminó en una clinica de rehabilitación. Luego del penoso regreso de Sui generis Charly editó este disco que junto a "Rockandroll Yo" son los unicos que sacó en la década 00. Hace mas de seis años que no saca nada y la unica verdad es la realidad: Nadie lo reclama.

ARBOL: CHAPUSONG

Qué: Chapusong
Quién: Arbol
Cuándo: 2003
Dónde: Galería de Belgrano

Porqué: Gran disco de la banda de Haedo. Este CD le permitió dar el salto a las grandes ligas. Energía pura, hardocre pasado por folklore y músicos con hambre de gloria sabiendo que luego de ocho años de under el éxito estaba al alcance de la mano. Todos los temas estan buenos. Muy recomendable.

Cómo: Empujados por Santaolalla terminó siendo el principio del fin ya que con su próximo disco, "Guau", la banda termina enfocándose en un público teen de FM100 lo que generó un huida masiva de su público rockero primero y de su líder después. Como siempre sucede la banda quiere seguir con el negocio y terminó dando mucha pena. Un final inmerecido para lo que supo ser una gran banda.

CATUPECU MACHU: DALE

Qué: Dale
Quién: Catupecu Machu
Cuándo: 1997
Dónde: Parque Rivadavia

Porqué: Sin dudas uno de mis discos preferidos, si alguien necesita escuchar algo bien power, que levante el animo, no dude en escuchar este CD, con 16 temas bien al palo, no puedo elegir uno, son todos pura energia, pura dinamita.

Cómo: El debut de una banda que terminó en las grandes ligas a puro power. La conocí desde sus comienzos y ya pintaban para mucho, luego la banda siguió su camino hacia sonidos y experimentaciones extrañas, se fue Abril y Gaby tuvo el accidente, quedando Fernando como único miembro original. "Dale" está entre los mejores discos de los últimos años.

EL OTRO YO: CONTAGIANDOSE LA ENERGIA DEL OTRO

Qué: Contagiándose la energia del otro.
Quién: El otro yo
Cuándo: 2000
Dónde: Parque Rivadavia

Porqué: Al igual que Catupecu, una banda que conocí en sus comienzos. Por eso me puso muy contento que llegaran a Obras alla por el año 2000. Recuerdo perfectamente ese día, aunque no fui. Sin embargo me pareció buenisimo que ese show haya sido el mismo que quedó plasmado en este disco (en Cemento unos meses antes) ya que es allí donde se muestra la mejor faceta de esta banda. Al igual que Catupecu me trae los mejores recuerdos ya que con un grupo de amigos solíamos escucharlos. Como olvidar la vez que llamamos 40 veces consecutivas a una emisora de radio para que pasen 69!

Cómo: Luego de liderar el movimiento del nuevo rock argentino a principio de los 90 junto a Babasonicos y Los Brujos, la banda logra llegar a Obras empujados por su éxito en un público adolescente, logrando el mérito de llegar a las grandes ligas autogestionados a través de su propio sello, Besotico Records.

LA RENGA: ESQUIVANDO CHARCOS

Qué: Esquivando charcos
Quin: La Renga
Cu´´ando: 1991 en cassette y en 1998 se editó en cd

Dónde: Fue el primer CD que tuve en mi vida porque me lo regalaron mis amigos del colegio, sin embargo me duro menos de un día porque lo cambié por "Adonde me lleva la vida" también de La Renga. El que yo tengo se "lo hice" a un compañero de la secundaria que me molestaba porque decía que me gustaba La Renga porque se puso de moda, hecho que lejos estuvo de ser asi. Logré que me prestara el CD y nunca mas se lo devolví. Luego de tenerlo como tres meses me dijo que se lo diera a mi compañero de banco que a su vez lo tuvo unos cuantos meses y al no reclamarselo me lo volví a llevar y asi hasta que lo gané por cansancio, me dijo que me lo quedara. De todos modos este chico tenía todo el dinero asi que no le interesaba demasiado el asunto.

Porqué: Si bien la gran mayoría conoció a la banda por su potencia este CD es solo para coleccionar porque musicalmente es muy precario, ya que para esa epoca eran pibes que apenas tenían plata y lo grabaron como pudieron. Los temas logran su mejor versión cuando fueron regrabados en vivo. Especificamente este disco documenta la prehistoria de la banda y tiene como agregado que es el único grabado con Locura, su primer guitarrista.

Cómo: Comenzó siendo distribuido en casette Con un sonido medio rolinga y la voz clara y adolescente de Chizzo no representa a La Renga sino a su prehistoria. Finalmente regrabarían todos estos temas con su sonido y potencia característica en "Bailando en una pata".

DIVIDIDOS: 40 DIBUJOS AHI EN EL PISO

Qué: 40 dibujos ahí en el piso
Quién: Divididos
Cuándo: 1989
Dónde: Disquería de San Fernando

Porqué: Buenas letras y grandes temas destacándose "Los sueños y las guerras", "Haciendo cosas raras" y "Camaron Bombay". Sin embargo es un disco casi de culto, por ser el primero después de Sumo y antes de que la banda se convierta en la aplanadora.

Cómo: Al igual que muchas bandas el primer disco no termina siendo representativo del sonido que luego los termina identificando. Sin embargo ni bien se disolvió Sumo comenzaron con este proyecto con Mollo haciendo sus primeras armas en la voz y las letras. Unico disco con Gustavo Collado en la batería. Algo que terminó siendo una constante en una banda que a lo largo de sus veinte años de historia utilizó a cinco bateristas.

PINK FLOYD: THE DIVISION BELL

Qué: The Division Bell
Quién: Pink Floyd
Cuándo: 1994
Dónde: Galería de Belgrano

Porqué: Uno de mis discos preferidos, sin dudas. Todos los temas destacados, imposible quedarse con uno. Una producción musical impecable y una excelente despedida de Pink Floyd quien no volvió a grabar nunca mas un CD en estudio.

Cómo: Luego de la partida de Waters Pink Floyd sigue de la mano de David Gilmour, quien luego de editar "A momentay lapse of reason" un CD solista con el nombre de Pink Floyd termina editando siete años después un disco impresionante, ahora si con la participación del resto de los músicos. Último disco en estudio de una de las tres mejores bandas de la historia.